Elisa vida mía

Confieso que como usualmente me ocurre no presté suficiente atención al filme de Carlos Saura, Elisa vida mía. Entre las labores de la cocina y mi tradicional distracción pude ver comprender algo de la trama. Pero si hay algo que no puedo negar es la atmosfera. Quisiera usar la palabra austera, pero dada la situación política de estos últimos años donde los ricos conspiran por estrangular a los que ya de por si no tienen mucho, usarla trae un peso considerable. Sin embargo, es la palabra que me viene a la mente al re-imaginarme a los personajes. Hay algo en el rostro de Geraldine Chaplin que sugiere las muchas emociones que su personaje va tejiendo a través de sus películas. Fernando Rey es como siempre un pilar que ancla la actuación  en general y como un bono la actuación de la niña Ana Torrent del inolvidable filme, El espíritu de la colmena. Pero aún más importante que la actuación es la atmósfera: una fotografía mínima acentuada por la música de Erik Satie; el color cansado de una película de los años setenta en fin es un filme que merece mirarse.  Nota cinefílica: en un momento la cámara panea sobre un escritorio; de fondo, Satie y sobre el escritorio El criticón. Amén.

Luis Buñuel La joven

Buñuel tiene el problema de que muchos asocian a primera instancia sus filmes con primero, El perro andaluz y luego con sus juegos surrealistas de los años sesenta como Viridiana o El ángel exterminador. Oculta queda pues la etapa mexicana y uno que otro filme hecho dentro de la industria estadounidense. Este último es el caso de La joven o The Young One.  Este filme resultó de una colaboración entre el director español, una compañía productora mexicana y escritores estadounidenses en la lista negra de McCarthy. Cuando comencé a verlo, luego de una motivante reseña hecha por Jonathan Rosenbaum, no sabía que esperar  y definitivamente no me decepcionó. El tema es peligroso para el cinema comercial americano y de hecho este filme no se hubiera hecho jamás en estos días. Un joven afroamericano escapa luego de ser falsamente acusado de violar a una mujer blanca. En su fuga termina en una isla en la costa sur de Estados Unidos. Los únicos habitantes son un hombre que vigila una reserva forestal y una niña que está a su cargo. La interacción de estos tres conjura una mezcla de temas sociales que llevan la trama por caminos insospechados. Pero además del contenido explosivo hay muchos otros detalles que hacen de La joven un estupendo filme. La fotografía de Gabriel Figueroa, quien debutó en el ¡Qué Viva Mexico! de Einsestein es exquisita haciendo danzar las variaciones de blanco y negro en especial en las escenas oscuras y en el retrato de los pantanos.   El ritmo del filme es adecuado lo que permite que los 92 minutos transcurran a toda prisa. La atmósfera espesa y ampliada por la música, recuerda los filmes de pantano de Jean Renoir  y la actuación, en especial del músico y la niña (que nunca volvió a actuar) lo complementan a la perfección

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Come and See

Come and See parece ser lo que le pasa por la mente a esta chica justo cuando el protagonista Florya se le acerca y es precisamente esta escena la que actúa como una puerta a los horrores que están por comenzar en este filme dirigido por el ruso Elem Klimov en 1985. Se nos cuenta la historia de este joven ruso, prácticamente un niño, y sus diferentes encuentros con la milicia rusa, los campesinos y finalmente con el ejercito nazi. A esta película la han llamado el mejor filme anti guerra y ciertamente cuenta con méritos para semejante declaración. Aquí no tenemos actos de heroísmo militar, lo que en filme anti bélico es una contradicción, sino que retrata la cotidianidad de la miseria diaria durante un conflicto. El joven Florya es testigo de un sinnúmero de horrores que le envejecen marcadamente durante el transcurso del filme. Aquellos que favorecen la forma sobre el contenido tendrán suficiente de que hablar pero en este caso es una forma que esta atada al contendido, a llevar al espectador hacia la monstruosidad y a rememorar las atrocidades de las que somos capaces. En el lado técnico la cinematografía es ágil; las cámaras van justo detrás de los actores siguiéndoles como testigo, como una víctima más que corre por su vida. A través del filme hay detalles técnicos que resaltan nuestra experiencia como espectador como cuando Florya pierde parcialmente la audición por una explosión y por un largo tiempo escuchamos lo que el escucha: una mezcla de voces, sonidos y chirridos que distorsionan la realidad. Finalmente, en un collage final se presentan combinadas escenas de documentales sobre el desarrollo del nazismo mientras el joven dispara contra un retrato de Hitler. Es imposible no verse afectado por filme como este.

This must be the place

El filme This must be the place es raro. Es un road movie que contiene al que en mi opinión es uno de los personaje más irritantes de la historia del cine. Sin embargo tiene muchos elementos valiosos. La música que se utiliza, en especial las múltiples versiones de una misma canción me parece acertada. Pero aún no me decido si esta película es una parodia o si es algún tipo de experimento. La trama no es típica de un road film: el personaje central, el músico Cheyenne (muy muy Robert Smith de The Cure) busca visitar a su padre antes de morir pero llega tarde. Al leer los diarios de su padre se da cuenta que había estado en Auschwitz donde desarrollo una terrible fobia por un nazi que aun estaba vivo. Cheyenne decide ir en su busca para eliminarlo. Todos los ingredientes para un típico drama de acción pero en manos de Paolo Sorrentino y su equipo se convierte en lo que alguien describió como un "dramedy." A mi me parece que el filme esta diciendo muchas cosas en el trasfondo, cosas que son muy difíciles de detectar de una sola vez. Escenas muy ingeniosas y que parecen desconectadas. Por alguna razón me recuerda a los filmes de Werner Herzog. En fin, la escena más intrigante ocurre en el último tercio del filme. Chayanne es reconocido por una fanática en el desolado estacionamiento de un centro comercial. La chica tambien con maquillaje al igual que la estrella del rock corre destras de él pero Cheyenne niega ser el rockero que ella busca. En ese momento pasa un tractor verder que remolca una plataforma donde va de pie un hombre con el bigote de Hitler. La cámara se acerca y en un plano intermedio queda la imagen que uso para esta reseña: un hombre con bigote de Hitler que pasa frente a una ondeante bandera americana en un centro comercial.  ¡Venga la interpretación!

La torre de los siete jorobados

¿Quién es Edgar Neville? Esta fue la primera pregunta que me planteé al pensar escribir esta reseña. Sin embargo, aunque la respuesta me intriga quiero evitar el autorcentrismo y enfocarme en lo que vi hace unas horas. El filme La torre de los siete jorobados es una extraña joya de la cinematografía española que hizo su aparición en las salas de cine en 1944. Escuché de el por primera vez en una columna de Jonathan Rosenbaum y aún luego de haberlo visto detenidamente no sé que pensar. La trama no es nada de otro mundo: un hombre desea resolver un misterio motivado por el fantasma de un hombre asesinado. Su investigación le lleva a conocer a la sobrina del profesor muerto y a un grupo de jorobados. Sin embargo, lo gótico de la historia combinado con una escenografía delirante que hace alarde de ecos del expresionismo alemán (sombras y escaleras, por supuesto)y un sorpresivo tono humorístico que en ocasiones contrasta con la atmósfera general son suficientes para hacer de este extraño filme un evento digno de repetidas visitas. El espejo de las deformidades (que es normalizante), hipnotismo, falsificación de dinero y un sabor muy español redondean este impresionante filme. Mi momento biográfico ocurrió cuando mencionaron la plaza de la paja y el arroz con leche sobre los cuales escribiré más adelante. 

A Late Quartet

A Late Quartet

Cinematográficamente hablando, A Late Quartet no es gran cosa. Sin embargo, el primer filme de Yaron Zilberman tiene algo que es difícil de aislar. Por un lado, cuenta con las actuaciones de Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener y el grandioso Christopher Walken. Pero la cinta contiene múltiples situaciones trilladas que opacan el todo. Lo que si logra es una atmósfera de contrición. Todos los personajes cargan sobre sus espaldas un gran arrepentimiento; caminos que no tomaron, decisiones pasadas por alto, sacrificios, etc. A todo esto se le une la presencia del opus 131 de Beethoven, una pieza para cuarteto de cuerdas que se esparce por toda la película y es parte importante de la trama. En fin, la combinación de buenos actores, excelente música y un ámbito melancólico son suficientes para hacer de este filme una buena experiencia.